Dans le cadre de notre couverture de la Semaine de la culture, les membres de l’équipe de couche 2 de CoinDesk ont comparé des notes sur nos expériences d’événements artistiques symboliques non fongibles à New York et ailleurs au cours de la dernière année.
L’un des thèmes a été la prévalence des événements à huis clos – et les attitudes tout aussi à huis clos. Il existe des expositions entières de galeries NFT réservées aux personnes qui ont déjà déboursé des dizaines de milliers de dollars ou plus. Un membre de notre équipe, de manière comique, s’est fait crier dessus juste pour s’être approché un peu trop près de la porte d’entrée d’un événement NFT dont il n’était même pas au courant. L’industrie émergente semble vraiment, vraiment obsédée par le fait d’éviter les racailles et de s’assurer que vous le sachiez.
Ce message fait partie de CoinDesk Semaine de la culture.
Pour de nombreux lecteurs, cela pourrait ressembler à la façon dont le « vrai » monde de l’art fonctionne déjà – comme un club exclusif réservé aux riches. C’est certainement ce que les galeries d’art ont tendance à regarder à la télévision et au cinéma. Parce que de nombreuses personnes impliquées dans NFT-land n’ont pas beaucoup d’expérience dans l’industrie de l’art, je soupçonne qu’une partie de cet accent mis sur «l’exclusivité» est basée sur ces notions de seconde main.
Je connais intimement les plus hauts sommets de l’industrie des beaux-arts de New York, grâce à des relations personnelles étroites et une demi-décennie de galeries obsédantes à Chelsea et Brooklyn. Et je peux vous dire que les événements fermés et exclusifs ne sont PAS la façon dont fonctionne le monde de l’art. Et l’imitation par l’industrie du NFT d’une caricature télévisée de « galeries d’art » peut lui nuire à long terme.
Même les galeries new-yorkaises les plus en vogue – des endroits comme, disons, David Zwirner – organisent des ouvertures publiques qui sont non seulement entièrement gratuites, mais qui proposent même généralement des boissons alcoolisées gratuites pour attirer les gens à la porte. Avant la pandémie de coronavirus, il était courant, voire prévisible, de voir un chancelier à l’air échevelé se promener dans un vernissage haut de gamme, jeter un coup d’œil rapide et performatif sur quelques peintures, puis remplir subrepticement un sac à dos de bières gratuites avant de rentrer sortir dans la rue. Ils ne sont fondamentalement jamais harcelés à ce sujet.
Cette accessibilité est excellente en termes d’équité, de justice et d’équité. Il y a beaucoup d’activistes qui poussent pour plus d’accessibilité dans l’art, arguant que cela fait partie d’un héritage humain universel. Ils auraient incontestablement un ajustement sur l’exclusivité et les barrières en place dans le monde des NFT.
Mais jetons un instant la justice et l’équité par la fenêtre. Les galeristes d’art ne sont pas là pour leur santé, ni même vraiment pour le bien de l’humanité. Ce sont des opérations à but lucratif, et en fin de compte, ils sont prêts à laisser entrer n’importe quelle rando dans la rue, non pas parce que c’est la bonne chose à faire, mais parce que cela les aide à gagner de l’argent.
Plus immédiatement, un événement public est beaucoup plus susceptible de capturer un moment ineffable d’agitation, de vivacité et d’excitation – qui contribuent tous à motiver les gens à acheter de l’art. Les jeunes et/ou les fauchés qui n’ont nulle part près de 20 000 $ à déposer sur une peinture fournissent une sorte d’assurance qu’il y a une valeur inhérente à une pièce. Ils sont là pour dire aux riches, qui ont parfois peu ou pas de goût parce qu’ils ont passé leur vie à gagner de l’argent et à ne pas faire grand-chose d’autre, qu’une œuvre d’art est vraiment bonne.
(Ces 20 000 $, soit dit en passant, sont à peu près ce qu’il en coûte pour obtenir un objet physique unique fabriqué à la main par certains des meilleurs artistes qui travaillent actuellement. Gardez cela à l’esprit lorsque vous regardez des NFT de dessins animés générés par algorithme se vendre pour des tas de ETH vaut des millions.)
D’un autre côté, vous remplissez une pièce de gens riches, tous ayant un intérêt financier dans ce qui se passe, et chaque représentation d’être impressionné ou intéressé par l’art lui-même se sent immédiatement affecté et guindé. Si personne ne se promène en regardant l’art comme un art, pour démontrer le pur plaisir d’une image ou d’un objet ou d’un algorithme, tout commence à ressembler très vite à Potemkin Pokemon.
Ce n’est que l’avantage à court terme de l’inclusivité, cependant. Les vrais retours viennent à l’arrière. Parce que ces jeunes étrangers pauvres deviennent souvent influents et puissants, et lorsque vous les accueillez tôt, vous façonnez leurs goûts et construisez une loyauté à long terme. C’est particulièrement vrai des artistes eux-mêmes, qui sont généralement tout aussi fauchés que les stéréotypes le suggèrent, mais qui ont un réel pouvoir collectif pour définir l’agenda de ce qui est cool – et en retour, de ce qui a de la valeur.
L’un des meilleurs exemples ici est le travail qui a émergé de New York dans les années 1980, par des gens comme Jean-Michel Basquiat, Keith Haring ou (mon préféré) The RAMM:ELL:ZEE. Basquiat en particulier a commencé à être payé très tôt, mais la valeur que les collectionneurs voyaient dans son travail était complètement inséparable de l’écume et de la méchanceté populaires qui définissaient la ville de New York à cette époque. Les commerçants de Wall Street ont peut-être acheté l’art, mais c’était en fait sur les B-boys, les enfants du club gay, les graffeurs, les punks défoncés et les dealers de crack qui peuplaient les nœuds culturels comme le Mudd Club ou l’Union Square.
Bien sûr, tous les NFT ne concernent pas principalement l’art et sa dynamique complexe. Le shindig Bored Ape Yacht Club lors de la conférence NFT NYC, par exemple, était réservé aux titulaires. Ces NFT « photo de profil » se penchent souvent sur leur statut de club exclusif pour les détenteurs. Peut-être que cela a de la valeur – une sorte de country club en ligne mis à jour.
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Mais d’autres NFT ont été considérablement promus en tirant parti de l’idée que «l’art», au sens large, a produit d’excellents retours sur investissement au fil du temps. Pourtant, ces retours ont été le produit d’un appareil complexe et multiforme connu sous le nom d’« industrie de l’art », qui a évolué, sous sa forme moderne centrée sur les galeries à but lucratif, pendant près d’un siècle.
Il s’avère que la valeur à long terme de l’art, tant financièrement que culturellement, est liée à des « scènes » plus larges, des moments culturels qui incarnent quelque chose de plus grand que n’importe quelle pièce ou artiste. Ces scènes sont structurées comme des pyramides, avec un petit groupe de riches collectionneurs qui canalisent de l’argent vers un groupe d’artistes, de conservateurs et d’autres travailleurs beaucoup plus nombreux et pour la plupart beaucoup moins riches. Mais, et c’est crucial, les personnes au sommet de la pyramide dépendent elles-mêmes du groupe beaucoup plus large de travailleurs et de personnalités culturelles – les influenceurs, dans la novlangue des agences de publicité stérilisée de notre époque déchue – pour affirmer la valeur de ce qu’ils acheter.
L’art NFT a le potentiel de devenir ce genre de scène, mais pour ce faire, il doit ouvrir les portes à tous ceux qui veulent une bière gratuite. Jusque-là, le tout peut être beaucoup, beaucoup plus fragile que ne le laisseraient supposer les cordes de velours et les flûtes à champagne.
